摘 要:艺术以一种强有力的气质影响着人类的精神历史。因此，什么是艺术，艺术作品应该包括什么，是这篇文章探讨的主题。结合古今中外的艺术杰作，文章认为：艺术的精髓是为“无”赋形，“无”代表了一种重要的思想。有之以为利，无之以为用。有生于无，无是本，有是用。本文的“无”并不指涉虚无主义，“无”作为艺术表现的领域，艺术的本体即是对“无”的表现。艺术的核心价值在于对“无”的把握，对 “无”的体悟，对“无”的赋形。人的神、人的死、人的梦共同构筑了“无”的领域。艺术为无赋形，情感贯穿始终，科技辅助其中。
关 键 词:艺术;无;情感;赋形
何为艺术?这是一个难以回答的问题。古今中外的学者对“艺术本质”给出的定义也是不尽相同，法兰克福学派的阿多诺认为艺术的本质不能确定。国内各种版本的《艺术概论》对艺术的定义和分类也各不相同。目前学界比较权威的说法是传统的马克思主义的艺术本质论，即艺术来自社会实践。艺术是实践的一种特殊形式，它是构制意象的创作性活动。可以说，艺术为情意创制符号。苏姗·朗格认为艺术是表现人类情感的形式。但是，不是所有表现情感的形式都是艺术，不是所有为情意创制的符号都是艺术。苏珊·朗格只说对了一部分。任何艺术品都是人的创造物，艺术是人的艺术，艺术的本质必然和人有着密切的联系。 “无”代表了一种重要的思想。老子认为道就是无，道因其无，所以空，因其空，所以涵容一切。有生于无，无是本，有是用。本文的 “无”并不指涉虚无主义，“无”作为艺术表现的领域，艺术的本体即是对“无”的表现。人的神、人的死、人的梦共同构筑了艺术中“无”的领域。构制情意的形式中饱含着“无”，形式传达出人对“无”的强烈情感，这种形式才能被称为艺术。艺术的灵魂在于“无”，“无”处即通，通则生灵气，灵气则开生命之眼。艺术中优美的形式、斑斓的色彩、悦耳的节奏、动人的旋律、曲折的情节都是为了传达“无”的存在。艺术是对一种不可挽回的美的无可奈何的感叹，艺术是保存情感的一种物质，艺术是人活着的证据，艺术是人类心灵上的琥珀。
一、人为神赋形
“神”作为一个无的存在，对于信徒来说，是无处不在、无所不能的。生存环境的危机与人求生欲望的本能，让世界上不同地域的人们创造出一个个不同的万能的神，以及一个神应允人的完美天国和美好来世。人为神赋形，神在人的想象中从无到有，获得了恒定的价值与无上的权威。依据《圣经》，上帝是一种精神，谁也没有见过他。在圣像争论的年代，圣像反对者反对描绘基督的神人同形的图像。但是，圣像崇拜者则指出，只有通过感性形象才能上升到精神观照，“如果不借助能够暗示原型的感性形象和绘画图像，人们怎么能够趋向精神呢?”最终，圣像之争以圣像崇拜者的胜利而结束。即“可见的形式是不可见到的美的形象”，神(上帝)作为一个“无”，通过人的想象力，获得了耀眼炫目的形象。同时，与上帝有关的一切事物和场所，都以可见的形式出现。在人为神服务的过程中，极尽所能，付出全部的才智，去愉悦神，去荣耀神。教堂是神的所在地，是人赞美神、礼拜神的地点。或者说，人在这里为“无”安了一个家，取名为教堂，并在这里举行各种活动赞美 “无”，同时，人根据各种迹象解读“无”的旨意，遵照其行事，并记录成书。
面对神，人充满了敬畏与沉思。西方的知名教堂都是建筑、雕塑和绘画于一体的经典艺术杰作，建造的时间都要在几十年甚至百年以上，这样长的时间，需要的是几代人坚定不移的信仰和无比艰辛的付出。比如巴黎圣母院、米兰大教堂，以及现在依然没有竣工的圣家族大教堂等等。除了宗教世界中的神之外，世界各个民族中的神话故事(文学作品)也是人们想象力的杰作，是各族人民化无(神)为有的心力之作。比如中国的《山海经》、古希腊神话故事、古印度的神猴哈努曼等等。
二、人为死赋形
奥地利心理学家兰克认为：艺术创作的动因来自艺术家超越死亡而永存的欲望。人的生命有限，而艺术长存。柏拉图说：“在短暂的生命里寻找永恒”，人类自古都在追求长久的生命，同时也在追问生命的意义，人类对生命价值的思索让人区别于动物。高更的绘画作品《我们从哪里来?我们是谁?我们向哪里去?》、普桑《阿卡迪亚的牧羊人》、弗雷德里希的《生命的阶段》这些艺术作品都反映了人对生命终极价值的探问，艺术作品以美的形式承载着深沉的人生拷问。生命的有限性凸显了生命意义的重要性，艺术品成为一个个短暂生命体的结晶，见证人类在时间的长河中曾经活过的痕迹。人的生命短暂消亡与祈求生命长久的执着，在艺术作品中体现为人为死赋形。古埃及的金字塔作为人类历史上最大的坟墓建筑，彰显着古埃及人的人生观，他们等待着灵魂的回归，期待着生命的再次复苏。包裹木乃伊的棺椁和金面具也成为了后世博物馆展出的珍贵艺术品，如图坦卡蒙墓葬品。古埃及的雕塑家被称为“使人复活的人”，雕塑人形不是为了供人欣赏，而是为了使灵魂复活。同样，古罗马的雕像以写实著称，因为它们是按照死者的样貌雕塑而成，以此表达纪念。
我国古代墓葬考古挖掘的陪葬品除了具有考古意义，也成为了艺术品。因为它们凝结着逝去的历史，表征着那些曾经鲜活生命的美好愿望。每件作品都是包含情感因子，不可复制，传达着时间的声音，讲述着历久弥新的传说。如汉代画像石的天上人间的场景刻画;马王堆一号墓和三号墓T型招魂帛画;满城汉墓的金缕玉衣、长信宫灯;曾侯乙墓的编钟等等。文学作品中主体的消亡也最能触动人心，悲剧被认为是戏剧之冠。古希腊的悲剧为了使得悲剧效果达到斗争的高潮，作者通常以主体的死亡作为一个结局，从而揭示生存与毁灭的意义。在人的生命有限性、不可重复性面前，这种悲壮的牺牲,让欣赏者更加相信人的伟大,赞美人的力量。西方悲剧作品中,用生命来斗争的人物比比皆是，如《俄狄浦斯王》《哈姆雷特》《罗密欧与朱丽叶》《茶花女》等等，他们都用自己的生命展示出人性的光辉灿烂。面对死，人的生命价值得以显现。
三、人为梦赋形
尼采的名言：就算人生是场梦，也要有滋有味地做好这场梦。梦的璀璨与迷幻也成为艺术表现的主要内容，人的梦分为三个类别：人的记忆、人的梦境、人的理想。
(一)梦之一记忆
按照西方的神话传说，艺术之母即记忆之母，托尔斯泰认为艺术家是永远以回忆为生的。生命是个过程，过程化为回忆，回忆最终成为梦，闭上眼睛能看见、睁开眼睛却不见的梦。记忆贯穿于人类意识和情感的方方面面，记忆构成了艺术家创作最为重要的素材、契机和动力。作为人类文明的两种形式，记忆和艺术具有内在一致性，它们都是对自我与世界的关联与重构，都具有典型性与永恒性。记忆与艺术都富含人的存在的“痕迹”，同时又相互映衬相互成就。通过艺术作品，记忆可以被再认知、重组、交流和分享。尤其是记忆中那些不可言说的、情境性的、差异性的、流动性的特质，尤为适合通过艺术的手段来表达。在电影发明之前，绘画雕塑等造型艺术主要的社会功能就是记录事件，留住记忆。如史前阿尔塔米拉洞穴壁画、古罗马时期的《图拉真纪功柱》、尼德兰文艺复兴时期的凡·艾克的《乔万尼·阿诺尔菲尼和妻子的肖像》、伦勃朗的各个时期《自画像》、新古典主义时期大卫的《马拉之死》、浪漫主义时期的席里柯的《梅杜萨之筏》、俄罗斯巡回画派的克拉姆斯柯依的《无名女郎》、列宾的《突然归来》、印象派的莫奈《印象·日出》、后印象派梵高的《农鞋》等，这些艺术作品虽然年代和风格不同，但是它们都承载着回忆、刻画着时光。我国古代的艺术作品也有这样的典型，如顾闳中的《韩熙载夜宴图》、 张择端的《清明上河图》、文学作品《红楼梦》等。摄影、电影电视发明之后，人们对瞬间的把握与记录更加快捷方便，对人类集体回忆的保持更加多元迅速，如电影《辛德勒的名单》、各类纪录片等。
以记忆为主题的艺术作品，反映了过去、现在和未来的关联。记忆改变着人们看待世界的方式和行为。比如，2013年举办的“中国·意大利当代艺术双年展”，就以记忆为主题展开对当代艺术与时代、社会与历史关系的思考。它以“选择与记忆”“发现与记忆”“创造与记忆”为线索，展开不同主体的记忆在当下的艺术叙事，揭示出其背后的生命主体与当下的关联。2015年，中国北京国际美术双年展的主题为“记忆与梦想”，展出了不同国家600余件美术作品，用艺术沟通了世界各族人民的“记忆与梦想”。2017年5月，第57届威尼斯艺术双年展中国官方主题平行展“记忆与当代”在威尼斯军械馆区举行。将当代艺术的生成发展作为着眼点，探索历史文化所构成的“记忆”。面对记忆，人既沉醉其中又不舍其失，艺术方寸，情感无价。
(二)梦之二梦境/幻想
精神分析学认为，梦是潜意识和集体无意识的体现。主体在梦中有着不受控的自由性，这种无需考虑后果的自由性，给予了艺术家通过梦来表达隐秘的可能。艺术家与梦相关的创作十分常见，艺术家通过梦，发掘潜意识中被人忽视的情感和意向，打破日常的条条框框，寻求深层意志的解放。荣格曾说：“梦无所遮蔽，我们只是不理解它的语言罢了。梦给我们展示的是未加修饰的自然的真理，梦是无意识心灵自发的和没有扭曲的产物，梦是启迪，是人潜意识在努力使整个心灵更趋于和谐、合理。大多数危机都有一个很长的潜伏期，只是意识觉察不到而已。梦能够泄露这一秘密。 ” 面对梦境，人既狂放又清醒。庄周梦蝶亦真亦幻、昆曲《牡丹亭》为梦痴狂、达利的超现实绘画为梦境代言，戈雅对梦的描绘有力地传达出来——梦即是现实。除了造型艺术、表情艺术、语言艺术，综合艺术中的电影作为造梦的艺术，更加生动立体地诠释了这一点。电影《八部半》是20世纪60年代意大利电影的代表作。该片是用摄影机探究人物内心的一次伟大尝试，故事情节非常简单，然而影片却成功地反映了主人公的心路历程。这部电影的划时代意义在于它深入到了人物的内心，这内心包括人物的联想、想象、梦境、幻觉、潜意识等等。影片开头的梦境奠定了整部电影的基调风格和结构方式，昭示着影片是由梦境和现实交织构成的。
(三)梦之三理想
黑格尔认为艺术美高于自然美。这是因为艺术美能弥补现实美中的不足与缺陷，所以艺术作品所表现的比现实生活更加完美更加理想化。艺术美融入了人的主观能动因素，反映了人的思想与感受，从而突破了现实中的一些局限性，把现实中的美集中凝聚在一定形式的艺术作品中。古希腊哲人柏拉图希望在现实世界之外建立一个理想的世界，被称为“乌托邦”。古希腊的雕塑作品以完美著称，它们以黄金分割比例呈现世人，如《断臂的维纳斯》《萨摩色雷斯的胜利女神》，表现了人体理想美的典范。文艺复兴的绘画同样追求比例的完美，达芬奇的《最后的晚餐》、米开朗基罗的《哀悼基督》、拉斐尔的《圣母圣婴》等作品都运用的黄金分割比，彰显了完美的人体比例，践行着艺术美高于生活美的原则。新古典主义时期的安格尔在画作《大宫女》中，有意拉长了画中女子的腰背长度，就是为了获得完美的视觉感受，相比较而言，我国古代的文人山水画也追求一种理想美，与西方美术作品的理想美(形式美)不同，中国山水画表现的是一种理想的审美境界，一种圆融的生命精神，一种意象的完满呈现。如马远的《寒江独钓图》、倪瓒的《渔庄秋霁图》、赵孟畹摹陡淮荷骄油肌返取Ｃ娑岳硐耄吮硐殖銎吹淖非笥胛赖南胂蟆Ｗ凵纤觯帐踝魑导囊恢痔厥庑问剑枪怪埔庀蟮拇丛煨曰疃５牵颐遣荒芏�“创造”一词产生误读，因为并不是一切求新求异、以形式奇特博得眼球的创造活动都可以称为艺术，大浪淘沙，时间会沉淀出真正的艺术作品，并光耀世人。艺术是深沉的、严肃的，甚至是哀伤中带着坚定信念的创造性活动，真正的艺术一定有对人生的关照，对人类终极命运的关怀，对人类共同情感的宣泄，对人生活价值的导向。有之以为利，无之以为用。艺术的核心价值在于对“无”的把握，对“无”的体悟，对“无”的赋形，人的神、人的死、人的梦共同构筑了 “无”的领域，使艺术成为艺术。
参考文献：
[1]杨恩寰，梅宝树.艺术学[M].北京：人民出版社，2001.
[2]蒋勋.艺术概论[M].北京：生活·读书·新知三联书店，2000.
[3]王宏建.艺术概论[M].北京：文化艺术出版社，2000
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